Desnud Arte: Alice Neel

Alice Neel, una persona inquebrantable, fue testigo de un desfile de movimientos vanguardistas del Expresionismo Abstracto al Arte Conceptual , y se negó a seguir ninguno de ellos. En su lugar, desarrolló un estilo único y expresivo de pintura de retratos que capturó la psicología de las personas que viven en Nueva York, desde amigos y vecinos en el Harlem español, hasta celebridades. Parte de lo que hace de Alice Neel una de las mejores retratistas estadounidenses del siglo XX es su rechazo de las categorías tradicionales (género, raza de edad, estatus social, etc.). Ella no presume lo que no sabe. Ella observa a cada sujeto con un ojo nuevo. Las ideas de Neel sobre la condición humana nunca flaquearon, permaneciendo directas, inquebrantables y siempre empáticas.

Los tipos menos interesantes para Neel son las personas tipo “Andy Warhol” y los hijos de su vecino que están sujetos al mismo nivel de escrutinio, curiosidad y evaluación psíquica. “Si no hubiera sido artista, podría haber sido un psiquiatra”, dijo una vez.

En un momento en que estaba profundamente pasado de moda, Neel persistió en ser una pintora de figuras y una retratista. Mientras estaba completamente absorta en la escena artística de Nueva York y conectada con sus principales innovadores, se mantuvo firme en su elección de estilo y temática, sin dejarse llevar por un mundo del arte que favorecía la abstracción. Ella persistía en hacer un trabajo que le agradaba, independientemente de lo que pensaran. En este sentido, ella se parece mucho a otro gran retratista: Vincent van Gogh.

Neel era virtualmente desconocida y solo tuvo un puñado de exposiciones individuales antes de 1970. En las últimas dos décadas de su vida, tuvo sesenta. Esto no se debió únicamente a la fuerza de su trabajo, sino a un cambio sísmico en el mundo del arte, que había comenzado a reconocer los logros de las minorías y las mujeres.

Mientras prolífica, Neel parece haber estado relativamente desinteresada en el auto-marketing. En este sentido, ella es diferente de muchos otros artistas exitosos de su generación, particularmente mujeres, que tuvieron que trabajar especialmente para hacerse notar por los críticos.

Fuente: theartstory.org (texto original en inglés).

Más información, exposiciones, porfolios, libros, biografía, etc. en su website: Alice Neel.

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Desnud Arte: Angelo Musco

Convertir la realidad al revés y crear obras que van en contra de las ideas preconcebidas son parte de las estrategias artísticas de Angelo Musco. Las estructuras vivas (es decir, nidos, sacos amnióticos, huevos) alternan literal y figuradamente una profundidad de emoción estrechamente relacionada con la experiencia personal de Musco de un parto retrasado y traumático que dejó cicatrices físicas y subconscientes.

El cuerpo humano es el medio del artista. Él fusiona cuerpos como cientos de pinceladas, creando composiciones grandes que son reconstrucciones de las estructuras de la naturaleza. Nacido en Nápoles (Italia) en 1973, los estudios de Musco alternaron entre la Academia Delle Belle Arti de Nápoles y la Universidad de Bellas Artes de Granada, España.

Musco visitó la ciudad de Nueva York en varias ocasiones para realizar investigaciones artísticas y se mudó a los Estados Unidos el 8 de diciembre de 1997, lo que tiene un significado simbólico: en el calendario italiano fue el día de la Inmaculada Concepción. El nacimiento difícil de Musco, el confinamiento, los mundos subterráneos y la arquitectura natural son temas recurrentes en su trabajo.

El cuerpo humano domina progresivamente su trabajo, tejiendo y conectando masas de desnudos para crear construcciones que son representaciones literales o simbólicas de huevos, nidos, líquido amniótico y otras inspiraciones del milagro de la procreación. La investigación de Musco sobre el poder de las agregaciones encontradas en la naturaleza ha alimentado sus trabajos más recientes.

Su traducción visionaria de tal agregación en una escala masiva no solo es visible en su trabajo, sino que también es palpable durante sus sesiones fotográficas. Aunque actualmente tiene su sede en Nueva York, el trabajo de Angelo se ha ejecutado a nivel estatal e internacional, organizando sus sesiones desde Londres, a Buenos Aires desde Red Woods CA a lugares tan exóticos como Bakú y Estambul. Su obra, que se acerca a proporciones épicas, se ha exhibido en todo el mundo, incluyendo Art Basel y la Bienal de Venecia.

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Sanctuary es realmente una imagen de proporciones bíblicas que se inspira en el libro de Génesis 11: 1-9, la historia de la Torre de Babel y la Confusión de lenguas.

En la historia de la Torre de Babel, los babilonios aspiraban a construir una torre que llegaría al cielo y desafiaría el poder de Dios, lo que no agradó a Dios. En ese momento solo había un idioma, Dios dividió su esfuerzo con la “confusión de lenguas”, dándoles a los trabajadores muchos idiomas diferentes para que no pudieran comunicarse, no podían trabajar juntos y luego los dispersó por la tierra y el mundo. la torre nunca fue completada.

Hay un giro irónico en la creación de este reino de torres al revertir lo que sucedió con los babilonios mediante el reclutamiento intencional de diversos grupos de modelos que hablan diferentes idiomas y provienen de diferentes culturas y unen sus cuerpos para la construcción real de este hecho por el hombre Este concepto requería sesiones fotográficas coordinadas en todo el mundo. El trabajo tardó más de cuatro años en completarse a medida que crecía y evolucionó, requiriendo en última instancia múltiples sesiones fotográficas en la ciudad de Nueva York (EE. UU.), Así como en Buenos Aires (Argentina), Londres (Inglaterra), Berlín (Alemania) y Nápoles (Italia). Reunir los materiales para la construcción de esta gigantesca metrópoli. La prioridad era tratar de involucrar a tantas personas diferentes como fuera posible, para que tuviera sentido para el artista, por lo que se hicieron todos los esfuerzos posibles en cada una de estas ciudades para conectarse con grupos multiculturales con el fin de llegar a personas de África, China, Japón, el Medio Oriente, Rusia y otros lugares donde viajar no era factible.

La palabra santuario se refiere a un lugar seguro o sagrado o al concepto de contención y a guardar algo. Para esta imagen, cada ladrillo, arco, rampa y puente está formado completamente por desnudos humanos y luego los edificios están ocupados por cientos de personas. Esta es una comunidad construida en paz y armonía con paredes construidas para protección, no separación y puentes que unen a las personas física y conceptualmente. Los residentes se protegen unos a otros, reaccionan a lo que ven y reflejan sus preocupaciones y emociones en la audiencia.

Documento videográfico sobre la creación de una increíble obra fotográfica “Sanctuary” (2016) de uno de los artistas más innovadores del siglo XXI, Angelo Musco.El trabajo, que duró cuatro años, requirió que el artista trabajara en Nueva York (EE. UU.), Buenos Aires (Argentina), Londres (Inglaterra), Berlín (Alemania) y Nápoles (Italia) para reunir los materiales necesarios para la construcción: imágenes de decenas de miles de cuerpos desnudos.

Más información, exposiciones, porfolios, libros, biografía, etc. en su website: Angelo Musco.

¡Al rojo vivo!

Músicos, modelos y actories pelirrojos se desnudan para posar en impactantes retratos que celebran la belleza única del color de su cabello. “Se trata de la celebración de la diferencia. La defensa de una visión alternativa de lo bonito, actualmente saturada con imágenes de caras y cuerpos bañados por el sol”. Un deleite para los sentidos gracias a los caprichos y milagros de la genética.

Thomas Knights, Londres, de 32 años, ha fotografiado a docenas de hombres y mujeres pelirrojos para la última entrega de su proyecto Red Hot, Thomas ha fotografiado a personas en poses esculturales, muchas de ellas desnudas o semidesnudas, frente a un fondo oscuro, buscando mostrar la belleza de las personas con pelo rojo. Entre los fotografiados para el proyecto, que también incluye un libro, están la cantante Nicola Roberts, la modelo Olivia Inge y el artista Nathan Wyburn, todos ellos son parte de un proyecto destinado a celebrar este singular color del cabello.

Thomas dijo que la colección tiene como objetivo “explorar la belleza de la piel pálida, del pelo rojo” y la “belleza de las pecas”. Dijo que el proyecto tiene como objetivo cuestionar las normas culturales al hacer las preguntas: “¿Qué es la belleza, qué puede ser hermoso?”. Thomas afirma que “hay un sesgo en los medios occidentales que favorece el bronceado constante, a través de marcas que intentan vendernos productos a través de campañas publicitarias, revistas, televisión, películas, en las que simplemente no encajo”. Agregó: “Celebrando lo que hace que ser pelirrojo sea único, y, a la vez, con la esperanza de que las personas puedan reconocer sus diferencias y sentirse más cómodas con su propia piel”. “Es para cualquiera que sienta de alguna manera que no encaja en una norma cultural”.

Fuente: dailymail.co.uk (Texto original en inglés).

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100 desnudos del arte de todos los tiempos

100 desnudos del arte de todos los tiempos, y un pretexto contra la censura.

El libro que reseño aquí se llama “100 nudes in the art of all times” –no he visto la versión en español–. Y me parece muy propicia su difusión en el actual contexto de censura de varias obras de arte donde el desnudo femenino (y en mucho menor medida el masculino) es protagonista.

Ya he dicho que el periodo que más aprecio del arte es el de la Edad Moderna –no el arte moderno– entre los siglos XV y XVII y, en particular, el llamado Quattrocento, digamos que el que se halla en línea directa con el arte griego; también hay soporte emotivo en este juicio: el Renacimiento implica una especie de rebelión contra el obscurantismo medieval que limitó al arte, la literatura y, acaso sobre todo por su furia encarnizada, contra la ciencia. La Primavera y el Nacimiento de Venus, de Alejandro Boticelli son iconos de ese periodo, incluso un reto a la visión autoritaria de iglesia que, vaya paradoja, auspició obras fantásticas y también limitó a los artistas (Boticelli fue un genio en el artilugio de representar rasgos religiosos y toques de sensualidad muy elegantes).

Este libro integra los trabajos antedichos, desde luego, y abre con el muy famoso óleo sobre tabla “Retrato de una joven”, la llamada Fornarina de Rafael Sanzio, quien así perpetuó a su amante Marghuerita Luti mediante el contraste cromático tan característico en él, aun en sus obras en el Vaticano y la Iglesia del pueblo, en Roma (he visto todas esas obras en el lugar y estoy convencido que a Rafael le faltó vida para afianzarse como el tercero de los grandes de la época luego de Leonardo Da Vinci y Miguel Ángel –sin duda, los retratos de Rafael no se explican sin la Gioconda; disculpen el desvario: creo que Rafael lo sabía y por ello él se dibujó así mismo y en algún cuadro que se encuentra en el Vaticano, incluso a Leonardo y Miguel Ángel).

En esa línea poco más de cien años después, sigue el pintor barroco Pedro Pablo Rubens y una soberbia exposición de desnudos, y cuerpos exhuberantes, coloridos, intensos (Rubens no se explica sin Tiziano) como consta en las obras que integra este libro, Las Tres gracias y Venus ante el espejo –de esta última también está la versión de Diego Velázquez, entre otras aunque, sin duda, el lector se queda con las ganas de mirar Las Gracias de Rafael, ellas sí inmaculadas a diferencia del erotismo del pintor flamenco pero sobre todo, y siguiendo en los trabajos de Rubens, se echa de menos “El juicio de Paris”, “El nacimiento de la vía láctea” y los monumentos del erotismo “Bóreas rapta a Oritía” y “Rapto de las hijas de Luecipo”, éste último, con sus dimensiones de 222 cm x 209, se encuentra como en un altar en el museo de Múnich Alte Pinakothek, en donde casi me arrodillo, créanme.

El amante del arte y el desnudo encontrará al florentino, y sacerdote por cierto, representante del barroco Francesco Furini y su “Hylas y las ninfas” (1630) que está en la galería Palatina de Florencia; la volví a mirar hace unas semanas: para mí sus contrastes, vale decir mejor, matices entre los oscuros le confiera a la obra uno de sus atractivos clave; menciono a “Lot y sus hijas” aunque no esté en el libro porque sobrevivió a la censura de aquel tiempo y espero que sobreviva a la actual que es más intensa incluso debido al incesto que implica traducir el respectivo pasaje del Génesis (la versión de Courbet me parece espléndida, por cierto pero en el libro, en cambio, ustedes encontrarán el óleo sobre lienzo, “El sueño” donde el artista sugiere una relación lésbica).

En “100 nudes in the art of all times” ustedes encontrarán arte de todos los tiempos, incluso oriental e hindú, y de varias épocas y escuelas. Por ejemplo del siglo pasado Mariano Fortuny (no está “La odalisca” pero sí “Desnudo en la playa”) o del siglo XIX, un representante del neoclásico, Dominique Ingres con “Baño turco”; en lo personal prefiero “Edipo y la esfinge” y “Odalisca con esclava); también está el mensajero de la soledad, Edward Hopper, apenas del siglo pasado y su impresionismo abstracto, con Girlie Show (1941), hasta llegar al exponente más conspicuo del arte barroco actual, Roberto Ferri y “Ericto”, aunque me parece que “El infierno” y “Angelo” significan más la influencia del arte clásico en este artista italiano.

Como sea, en estos 100 desnudos podríamos decir, sin temor a equivocarnos, lo que afirma Ishiguro en un pasaje del libro mencionado al principio, aquí se muestra cómo “el talento de un artista puede superar las limitaciones que supone un estilo concreto” o sus posibilidades, podríamos decir, porque más allá (o junto con la técnica) se ubica el esfuerzo por trascender los límites de la comunicación formal y reflejar en los lienzos la intensidad del amor erótico o sólo el sublime desfogue carnal de las pasiones. Nada más por eso, o aunque fuera sólo por eso, de ningún modo deberá censurarse el arte que, en estas coordenadas, es una de las más acabadas expresiones humanas en favor de la libertad.

Fuente: etcétera.com.mx Autor: Marco Levario Turcott.

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Libros sobre Nudismo, Naturismo y Desnudo Artístico.
Evolución del desnudo en el arte.

Desnud Arte: Sébastien Brunel

Apasionado por las artes gráficas, Sébastien entra en la escuela Émile Cohl para estudiar ilustración y diseño gráfico. Las clases con modelos desnudos a las que asiste durante su formación son una revelación para el joven artista y le sirven de motivación para adentrarse en la práctica de la pintura del desnudo. Sébastien obtiene su título oficial con honores en 1996.

Posteriormente, trabaja como diseñador gráfico en estudios de videojuegos de Francia e Inglaterra durante dos años antes de ejercer su profesión por cuenta propia. Monta un estudio junto con tres amigos con los que participa en varios proyectos para distintos clientes (Éditions Milan, Nuclide Games…), aunque su carrera artística cobra forma al inscribirse en la “Maison des Artistes” en 1999. Empieza a exponer sus obras en cafeterías, librerías, bares y teatros de Lyon y alrededores.

Sébastien imparte clases de técnica del desnudo desde 2011. Actualmente vive y trabaja en su ciudad natal. El cuerpo desnudo del modelo es para el artista una fuente inagotable de inspiración. Sus influencias artísticas se remontan a las pinturas rupestres de la cueva de Chauvet (Ardèche, Francia). Sébastien rompe con el desnudo académico y explora el cuerpo desde múltiples puntos de vista. Sigue la estela dejada por sus artistas preferidos: Egon Schiele (artista austriaco, s. XX), Kees Van Dongen (pintor neerlandés, ss. XIX-XX) o Jules Pascin (pintor americano de origen búlgaro, s. XX).

El artista trabaja con tinta y pincel sobre un esbozo a lápiz. Da volumen a las formas realzándolas con tiza y acuarela. Crea movimiento a través de la línea y del uso vibrante del color. Utiliza la acuarela para “animar” los cuerpos dejando zonas en blanco y jugando con varios matices de un mismo tono. Las sombras y la luz que obtiene así, llenan de vida la piel de sus modelos. En sus desnudos, erguidos o acurrucados, se distingue la torsión de los músculos y la tersura de la piel. Al mostrar así el cuerpo, Sébastien pretende despertar emociones en el espectador. Su pintura va dirigida a la parte oculta del ser humano. Sensual sin ser erótica, cuestiona la relación que mantenemos con la desnudez y la intimidad.

Fuente: carredartistes.com

Más información, exposiciones, porfolios, libros, biografía, etc. en su website: Sébastien Brunel.

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Desnud Arte: Mark Ruddick

El fotógrafo Mark Ruddick acaba de lanzar “The Athletic Implied Nudes Series”, que es un estudio del cuerpo humano bajo estrés muscular, entendiendo la fuerza, la flexibilidad y el poder del cuerpo. Toda una oda al cuerpo humano.

Al parecer, Ruddick comenzó a retratar a deportistas, boxeadores, etc. con los que empezó a experimentar su técnica de fotografiar los diferentes grupos musculares del cuerpo a golpe de disparo, y a gran velocidad frente a su lente. Finalmente, su talento y su instinto innato para la fotografía le ha llevado a que disfrutemos de momentos en los que podemos ver congelada la musculatura en su punto más álgido y máximo.

Los fondos limpios, la iluminación intensa y la fotografía en blanco y negro funcionan en conjunto para eliminar las distracciones y resaltar los grupos musculares y la figura de los sujetos fotografiados.

Fuente: artFido.com

Más información, exposiciones, porfolios, libros, biografía, etc. en su website: Mark Ruddick.

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