Desnud Arte: Neil Curtis

El arte de Neil Curtis es una combinación de pintura, performance, fotografía y cine. Pero el centro de su trabajo es el cuerpo humano desnudo y pintado.

Inspirado por el performance y el arte experimental de Wiener Aktionismus (el accionismo vienés) de finales de la década de 1960, Curtis intenta subvertir el conformismo general, liberando a las personas de la “ropa” que limita su vida cotidiana.

El artista con sede en Viena cubre la piel humana, de la cabeza a los pies, usando hasta 10 capas de pintura durante lo que a menudo es una sesión agotadora para sus modelos.

Neil Curtis emplea el bodypainting para transformar el cuerpo de hombres comunes en obras de arte. En su más reciente proyecto, una serie de performances llamada “Replace clothes with paint” (Cambiar ropas por pintura), aparecen modelos vestidos con ropa de hombres comunes; los ubica en una silla, para luego desvestirlos, y cubrirles el cuerpo entero con pintura negra. En una sesión negra, el cuerpo del modelo se pintará paso a paso con pintura negra hasta cubrir toda la superficie de la piel.

“Es una transición simbólica”, dice Curtis, “desde un mundo definido por las reglas sociales en que todos vivimos, hasta el mundo del arte, de mi mundo teórico painted-world”.

Otro efecto secundario de su trabajo es desafiar el miedo a la desnudez durante un proceso de arte en el que los modelos normalmente se vuelven cada vez más participativos, perdiendo cualquier tipo de inhibición.

Más información, exposiciones, porfolios, libros, biografía, etc. en su website: Neil Curtis.

Nota: Haciendo clic sobre cualquiera de las fotografías puedes visualizarlas en sus tamaños originales, en modo “pase de diapositivas”.

Desnud Arte: Alice Neel

Alice Neel, una persona inquebrantable, fue testigo de un desfile de movimientos vanguardistas del Expresionismo Abstracto al Arte Conceptual , y se negó a seguir ninguno de ellos. En su lugar, desarrolló un estilo único y expresivo de pintura de retratos que capturó la psicología de las personas que viven en Nueva York, desde amigos y vecinos en el Harlem español, hasta celebridades. Parte de lo que hace de Alice Neel una de las mejores retratistas estadounidenses del siglo XX es su rechazo de las categorías tradicionales (género, raza de edad, estatus social, etc.). Ella no presume lo que no sabe. Ella observa a cada sujeto con un ojo nuevo. Las ideas de Neel sobre la condición humana nunca flaquearon, permaneciendo directas, inquebrantables y siempre empáticas.

Los tipos menos interesantes para Neel son las personas tipo “Andy Warhol” y los hijos de su vecino que están sujetos al mismo nivel de escrutinio, curiosidad y evaluación psíquica. “Si no hubiera sido artista, podría haber sido un psiquiatra”, dijo una vez.

En un momento en que estaba profundamente pasado de moda, Neel persistió en ser una pintora de figuras y una retratista. Mientras estaba completamente absorta en la escena artística de Nueva York y conectada con sus principales innovadores, se mantuvo firme en su elección de estilo y temática, sin dejarse llevar por un mundo del arte que favorecía la abstracción. Ella persistía en hacer un trabajo que le agradaba, independientemente de lo que pensaran. En este sentido, ella se parece mucho a otro gran retratista: Vincent van Gogh.

Neel era virtualmente desconocida y solo tuvo un puñado de exposiciones individuales antes de 1970. En las últimas dos décadas de su vida, tuvo sesenta. Esto no se debió únicamente a la fuerza de su trabajo, sino a un cambio sísmico en el mundo del arte, que había comenzado a reconocer los logros de las minorías y las mujeres.

Mientras prolífica, Neel parece haber estado relativamente desinteresada en el auto-marketing. En este sentido, ella es diferente de muchos otros artistas exitosos de su generación, particularmente mujeres, que tuvieron que trabajar especialmente para hacerse notar por los críticos.

Fuente: theartstory.org (texto original en inglés).

Más información, exposiciones, porfolios, libros, biografía, etc. en su website: Alice Neel.

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Desnud Arte: Angelo Musco

Convertir la realidad al revés y crear obras que van en contra de las ideas preconcebidas son parte de las estrategias artísticas de Angelo Musco. Las estructuras vivas (es decir, nidos, sacos amnióticos, huevos) alternan literal y figuradamente una profundidad de emoción estrechamente relacionada con la experiencia personal de Musco de un parto retrasado y traumático que dejó cicatrices físicas y subconscientes.

El cuerpo humano es el medio del artista. Él fusiona cuerpos como cientos de pinceladas, creando composiciones grandes que son reconstrucciones de las estructuras de la naturaleza. Nacido en Nápoles (Italia) en 1973, los estudios de Musco alternaron entre la Academia Delle Belle Arti de Nápoles y la Universidad de Bellas Artes de Granada, España.

Musco visitó la ciudad de Nueva York en varias ocasiones para realizar investigaciones artísticas y se mudó a los Estados Unidos el 8 de diciembre de 1997, lo que tiene un significado simbólico: en el calendario italiano fue el día de la Inmaculada Concepción. El nacimiento difícil de Musco, el confinamiento, los mundos subterráneos y la arquitectura natural son temas recurrentes en su trabajo.

El cuerpo humano domina progresivamente su trabajo, tejiendo y conectando masas de desnudos para crear construcciones que son representaciones literales o simbólicas de huevos, nidos, líquido amniótico y otras inspiraciones del milagro de la procreación. La investigación de Musco sobre el poder de las agregaciones encontradas en la naturaleza ha alimentado sus trabajos más recientes.

Su traducción visionaria de tal agregación en una escala masiva no solo es visible en su trabajo, sino que también es palpable durante sus sesiones fotográficas. Aunque actualmente tiene su sede en Nueva York, el trabajo de Angelo se ha ejecutado a nivel estatal e internacional, organizando sus sesiones desde Londres, a Buenos Aires desde Red Woods CA a lugares tan exóticos como Bakú y Estambul. Su obra, que se acerca a proporciones épicas, se ha exhibido en todo el mundo, incluyendo Art Basel y la Bienal de Venecia.

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Sanctuary es realmente una imagen de proporciones bíblicas que se inspira en el libro de Génesis 11: 1-9, la historia de la Torre de Babel y la Confusión de lenguas.

En la historia de la Torre de Babel, los babilonios aspiraban a construir una torre que llegaría al cielo y desafiaría el poder de Dios, lo que no agradó a Dios. En ese momento solo había un idioma, Dios dividió su esfuerzo con la “confusión de lenguas”, dándoles a los trabajadores muchos idiomas diferentes para que no pudieran comunicarse, no podían trabajar juntos y luego los dispersó por la tierra y el mundo. la torre nunca fue completada.

Hay un giro irónico en la creación de este reino de torres al revertir lo que sucedió con los babilonios mediante el reclutamiento intencional de diversos grupos de modelos que hablan diferentes idiomas y provienen de diferentes culturas y unen sus cuerpos para la construcción real de este hecho por el hombre Este concepto requería sesiones fotográficas coordinadas en todo el mundo. El trabajo tardó más de cuatro años en completarse a medida que crecía y evolucionó, requiriendo en última instancia múltiples sesiones fotográficas en la ciudad de Nueva York (EE. UU.), Así como en Buenos Aires (Argentina), Londres (Inglaterra), Berlín (Alemania) y Nápoles (Italia). Reunir los materiales para la construcción de esta gigantesca metrópoli. La prioridad era tratar de involucrar a tantas personas diferentes como fuera posible, para que tuviera sentido para el artista, por lo que se hicieron todos los esfuerzos posibles en cada una de estas ciudades para conectarse con grupos multiculturales con el fin de llegar a personas de África, China, Japón, el Medio Oriente, Rusia y otros lugares donde viajar no era factible.

La palabra santuario se refiere a un lugar seguro o sagrado o al concepto de contención y a guardar algo. Para esta imagen, cada ladrillo, arco, rampa y puente está formado completamente por desnudos humanos y luego los edificios están ocupados por cientos de personas. Esta es una comunidad construida en paz y armonía con paredes construidas para protección, no separación y puentes que unen a las personas física y conceptualmente. Los residentes se protegen unos a otros, reaccionan a lo que ven y reflejan sus preocupaciones y emociones en la audiencia.

Documento videográfico sobre la creación de una increíble obra fotográfica “Sanctuary” (2016) de uno de los artistas más innovadores del siglo XXI, Angelo Musco.El trabajo, que duró cuatro años, requirió que el artista trabajara en Nueva York (EE. UU.), Buenos Aires (Argentina), Londres (Inglaterra), Berlín (Alemania) y Nápoles (Italia) para reunir los materiales necesarios para la construcción: imágenes de decenas de miles de cuerpos desnudos.

Más información, exposiciones, porfolios, libros, biografía, etc. en su website: Angelo Musco.

¡Al rojo vivo!

Músicos, modelos y actories pelirrojos se desnudan para posar en impactantes retratos que celebran la belleza única del color de su cabello. “Se trata de la celebración de la diferencia. La defensa de una visión alternativa de lo bonito, actualmente saturada con imágenes de caras y cuerpos bañados por el sol”. Un deleite para los sentidos gracias a los caprichos y milagros de la genética.

Thomas Knights, Londres, de 32 años, ha fotografiado a docenas de hombres y mujeres pelirrojos para la última entrega de su proyecto Red Hot, Thomas ha fotografiado a personas en poses esculturales, muchas de ellas desnudas o semidesnudas, frente a un fondo oscuro, buscando mostrar la belleza de las personas con pelo rojo. Entre los fotografiados para el proyecto, que también incluye un libro, están la cantante Nicola Roberts, la modelo Olivia Inge y el artista Nathan Wyburn, todos ellos son parte de un proyecto destinado a celebrar este singular color del cabello.

Thomas dijo que la colección tiene como objetivo “explorar la belleza de la piel pálida, del pelo rojo” y la “belleza de las pecas”. Dijo que el proyecto tiene como objetivo cuestionar las normas culturales al hacer las preguntas: “¿Qué es la belleza, qué puede ser hermoso?”. Thomas afirma que “hay un sesgo en los medios occidentales que favorece el bronceado constante, a través de marcas que intentan vendernos productos a través de campañas publicitarias, revistas, televisión, películas, en las que simplemente no encajo”. Agregó: “Celebrando lo que hace que ser pelirrojo sea único, y, a la vez, con la esperanza de que las personas puedan reconocer sus diferencias y sentirse más cómodas con su propia piel”. “Es para cualquiera que sienta de alguna manera que no encaja en una norma cultural”.

Fuente: dailymail.co.uk (Texto original en inglés).

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