Desnud Arte: Angelo Musco

Convertir la realidad al revés y crear obras que van en contra de las ideas preconcebidas son parte de las estrategias artísticas de Angelo Musco. Las estructuras vivas (es decir, nidos, sacos amnióticos, huevos) alternan literal y figuradamente una profundidad de emoción estrechamente relacionada con la experiencia personal de Musco de un parto retrasado y traumático que dejó cicatrices físicas y subconscientes.

El cuerpo humano es el medio del artista. Él fusiona cuerpos como cientos de pinceladas, creando composiciones grandes que son reconstrucciones de las estructuras de la naturaleza. Nacido en Nápoles (Italia) en 1973, los estudios de Musco alternaron entre la Academia Delle Belle Arti de Nápoles y la Universidad de Bellas Artes de Granada, España.

Musco visitó la ciudad de Nueva York en varias ocasiones para realizar investigaciones artísticas y se mudó a los Estados Unidos el 8 de diciembre de 1997, lo que tiene un significado simbólico: en el calendario italiano fue el día de la Inmaculada Concepción. El nacimiento difícil de Musco, el confinamiento, los mundos subterráneos y la arquitectura natural son temas recurrentes en su trabajo.

El cuerpo humano domina progresivamente su trabajo, tejiendo y conectando masas de desnudos para crear construcciones que son representaciones literales o simbólicas de huevos, nidos, líquido amniótico y otras inspiraciones del milagro de la procreación. La investigación de Musco sobre el poder de las agregaciones encontradas en la naturaleza ha alimentado sus trabajos más recientes.

Su traducción visionaria de tal agregación en una escala masiva no solo es visible en su trabajo, sino que también es palpable durante sus sesiones fotográficas. Aunque actualmente tiene su sede en Nueva York, el trabajo de Angelo se ha ejecutado a nivel estatal e internacional, organizando sus sesiones desde Londres, a Buenos Aires desde Red Woods CA a lugares tan exóticos como Bakú y Estambul. Su obra, que se acerca a proporciones épicas, se ha exhibido en todo el mundo, incluyendo Art Basel y la Bienal de Venecia.

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Sanctuary es realmente una imagen de proporciones bíblicas que se inspira en el libro de Génesis 11: 1-9, la historia de la Torre de Babel y la Confusión de lenguas.

En la historia de la Torre de Babel, los babilonios aspiraban a construir una torre que llegaría al cielo y desafiaría el poder de Dios, lo que no agradó a Dios. En ese momento solo había un idioma, Dios dividió su esfuerzo con la “confusión de lenguas”, dándoles a los trabajadores muchos idiomas diferentes para que no pudieran comunicarse, no podían trabajar juntos y luego los dispersó por la tierra y el mundo. la torre nunca fue completada.

Hay un giro irónico en la creación de este reino de torres al revertir lo que sucedió con los babilonios mediante el reclutamiento intencional de diversos grupos de modelos que hablan diferentes idiomas y provienen de diferentes culturas y unen sus cuerpos para la construcción real de este hecho por el hombre Este concepto requería sesiones fotográficas coordinadas en todo el mundo. El trabajo tardó más de cuatro años en completarse a medida que crecía y evolucionó, requiriendo en última instancia múltiples sesiones fotográficas en la ciudad de Nueva York (EE. UU.), Así como en Buenos Aires (Argentina), Londres (Inglaterra), Berlín (Alemania) y Nápoles (Italia). Reunir los materiales para la construcción de esta gigantesca metrópoli. La prioridad era tratar de involucrar a tantas personas diferentes como fuera posible, para que tuviera sentido para el artista, por lo que se hicieron todos los esfuerzos posibles en cada una de estas ciudades para conectarse con grupos multiculturales con el fin de llegar a personas de África, China, Japón, el Medio Oriente, Rusia y otros lugares donde viajar no era factible.

La palabra santuario se refiere a un lugar seguro o sagrado o al concepto de contención y a guardar algo. Para esta imagen, cada ladrillo, arco, rampa y puente está formado completamente por desnudos humanos y luego los edificios están ocupados por cientos de personas. Esta es una comunidad construida en paz y armonía con paredes construidas para protección, no separación y puentes que unen a las personas física y conceptualmente. Los residentes se protegen unos a otros, reaccionan a lo que ven y reflejan sus preocupaciones y emociones en la audiencia.

Documento videográfico sobre la creación de una increíble obra fotográfica “Sanctuary” (2016) de uno de los artistas más innovadores del siglo XXI, Angelo Musco.El trabajo, que duró cuatro años, requirió que el artista trabajara en Nueva York (EE. UU.), Buenos Aires (Argentina), Londres (Inglaterra), Berlín (Alemania) y Nápoles (Italia) para reunir los materiales necesarios para la construcción: imágenes de decenas de miles de cuerpos desnudos.

Más información, exposiciones, porfolios, libros, biografía, etc. en su website: Angelo Musco.

¡Al rojo vivo!

Músicos, modelos y actories pelirrojos se desnudan para posar en impactantes retratos que celebran la belleza única del color de su cabello. “Se trata de la celebración de la diferencia. La defensa de una visión alternativa de lo bonito, actualmente saturada con imágenes de caras y cuerpos bañados por el sol”. Un deleite para los sentidos gracias a los caprichos y milagros de la genética.

Thomas Knights, Londres, de 32 años, ha fotografiado a docenas de hombres y mujeres pelirrojos para la última entrega de su proyecto Red Hot, Thomas ha fotografiado a personas en poses esculturales, muchas de ellas desnudas o semidesnudas, frente a un fondo oscuro, buscando mostrar la belleza de las personas con pelo rojo. Entre los fotografiados para el proyecto, que también incluye un libro, están la cantante Nicola Roberts, la modelo Olivia Inge y el artista Nathan Wyburn, todos ellos son parte de un proyecto destinado a celebrar este singular color del cabello.

Thomas dijo que la colección tiene como objetivo “explorar la belleza de la piel pálida, del pelo rojo” y la “belleza de las pecas”. Dijo que el proyecto tiene como objetivo cuestionar las normas culturales al hacer las preguntas: “¿Qué es la belleza, qué puede ser hermoso?”. Thomas afirma que “hay un sesgo en los medios occidentales que favorece el bronceado constante, a través de marcas que intentan vendernos productos a través de campañas publicitarias, revistas, televisión, películas, en las que simplemente no encajo”. Agregó: “Celebrando lo que hace que ser pelirrojo sea único, y, a la vez, con la esperanza de que las personas puedan reconocer sus diferencias y sentirse más cómodas con su propia piel”. “Es para cualquiera que sienta de alguna manera que no encaja en una norma cultural”.

Fuente: dailymail.co.uk (Texto original en inglés).

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Desnud Arte: Mark Ruddick

El fotógrafo Mark Ruddick acaba de lanzar “The Athletic Implied Nudes Series”, que es un estudio del cuerpo humano bajo estrés muscular, entendiendo la fuerza, la flexibilidad y el poder del cuerpo. Toda una oda al cuerpo humano.

Al parecer, Ruddick comenzó a retratar a deportistas, boxeadores, etc. con los que empezó a experimentar su técnica de fotografiar los diferentes grupos musculares del cuerpo a golpe de disparo, y a gran velocidad frente a su lente. Finalmente, su talento y su instinto innato para la fotografía le ha llevado a que disfrutemos de momentos en los que podemos ver congelada la musculatura en su punto más álgido y máximo.

Los fondos limpios, la iluminación intensa y la fotografía en blanco y negro funcionan en conjunto para eliminar las distracciones y resaltar los grupos musculares y la figura de los sujetos fotografiados.

Fuente: artFido.com

Más información, exposiciones, porfolios, libros, biografía, etc. en su website: Mark Ruddick.

Nota: Haciendo clic sobre cualquiera de las fotografías puedes visualizarlas en sus tamaños originales, en modo “pase de diapositivas”.

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Amelia Allen – Naked Britain

El nuevo libro de la fotógrafa Amelia Allen, Naked Britain, es una exploración del cuerpo humano, con un enfoque en el creciente movimiento naturista del Reino Unido. Con la fotografía de moda publicada en revistas como Vogue, Tatler y Vanity Fair, y clientes como Matches Fashion, Hermès y Temperley London, el último esfuerzo creativo de Allen puede parecer un poco atípico. Pero su formación en moda es, de hecho, lo que la llevó a su nuevo proyecto.

He pasado la mayor parte de mi carrera fotografiando modelos convencionalmente bellas y estéticamente agradables que están acostumbradas a mostrar ropa”, le dice a R29. “Todo lo relacionado con esto tiene que ver con la imagen corporal y tener que mirar de cierta manera para adaptarse a una construcción social específica de lo que se ve como bello. Creciendo hoy, a través de una época políticamente dinámica, donde los derechos de las mujeres son un gran problema, quería crear un proyecto que tomara la liberación y la libertad de imagen corporal en el centro de atención. Quería fotografiar una comunidad que representaba la igualdad en la imagen corporal, la apariencia, la sexualidad y el género. Sentí un impulso desesperado por fotografiar a otro lado de la sociedad, y experimentar algo alejado de la moda, pero algo que todavía se centra mucho en la belleza del cuerpo humano. El naturismo era perfecto para esto”.

La primera incursión de Amelia en el naturismo fue asistir a un día de vestimenta opcional en un club de miembros en Buckinghamshire. Conoció a una familia que la invitó a un picnic y un chapuzón nudista, antes de presentarla a la comunidad en general. Tres años después, siguen siendo amigos.“La primera experiencia fue bastante desalentadora y todo se acumula en tu cabeza, pero solo tienes que tratarlo con normalidad: una vez que te quites la ropa, eres libre. Es muy divertido, muy refrescante y liberador”, dice ella. “Hay algo sobre deambular por un lugar donde normalmente no estarías desnudo, como un jardín; me encantó. Me tomó un tiempo acostumbrarme, pero no solo estaba tratando de aprender sobre esta forma de vida a través de mi fotografía, sino también para crecer personalmente. Salir de mi zona de confort y mirar mi propia relación con mi cuerpo y mi actitud ante la desnudez”.

Entonces, ¿qué aprendió ella? “Muchos dijeron que una de las razones por las que les gustaba participar en la comunidad naturista era que podían ser ellos mismos, alejados de la vida corriente y eliminar todos esos estereotipos y estados de la ropa”, explica. “Estar desnudo significa que eres un lienzo en blanco y para algunos, eres anónimo”. ¿Son más felices en su propia piel que el resto de la sociedad, o tienen problemas como el resto de nosotros? “Creo que ambos. Son más autoaceptables, porque se dan cuenta de que hay más en la vida que su apariencia. Creo que todos tienen una opinión sobre su propio cuerpo y eso no cambia a lo largo de su vida. Se sienten más cómodos y relajados al estar desnudos y bajo mucha menos presión que entre la sociedad vestida”.

Estamos más abiertos que nunca sobre nuestra sexualidad e identidad de género, con clubes de sexo y poliamorosos cada vez más ampliamente aceptados, pero la desnudez a menudo se considera crasa. “Es bastante gracioso que ese sea el caso, y que el sexo casual y los clubes de pago son tan normales para muchos, pero la desnudez sin sexualidad se considera desagradable”, señala Amelia. ¿Eso es porque las personas que toman el sol en topless o amamantan en público no encajan en la idea de la sociedad de una idea estéticamente agradable de imagen corporal? “Parece haber un doble estándar: está bien estar desnudo si es por placer sexual u observación, o para una publicación, pero no está bien para la libertad y la liberación de la misma”, resalta.

¿Piensa que las actitudes están cambiando? “Creo que sí. Las modelos de tallas grandes ayudan a muchas mujeres jóvenes que no son del estandar de un modelo de pasarela. Soy una fotógrafa de moda y un tamaño 14, y eso está bien. Sin embargo, siguen siendo hermosas, por lo que ayuda a las mujeres jóvenes en las redes sociales pero no cambia las actitudes hacia todos los tipos de cuerpos y edades”, dice. “Creo que es importante reconocer que las campañas publicitarias y las redes sociales no son percepciones honestas de la realidad”.

A pesar de nuestros mejores esfuerzos, todos tenemos prejuicios inconscientes hacia los cuerpos gracias al incesante bombardeo mediático de imágenes inalcanzables, inaccesibles y excesivamente sexualizadas. A menudo se necesita mucho trabajo para amar a su propio cuerpo y no fijar otros como el epítome de la perfección. Las fotografías de Amelia sobre los naturistas, libres de autoconciencia y juicio, alientan a hacer justamente eso: apreciar el cuerpo por la maravilla que es.

Fuente: Refinery29.uk (texto original en inglés).

Más información, exposiciones, porfolios, libros, biografía, etc. en su website: Amelia Allen.

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Desnud Arte: Max Dupain

Max Dupain es uno de los fotógrafos más venerados de Australia. Su trabajo ha sido recopilado por la mayoría de las principales galerías de Australia y también por coleccionistas privados de todo el mundo. Su trabajo ha influido en generaciones de fotógrafos y es considerado el fotógrafo más influyente del siglo XX.

Nacido en Sydney en 1911, vivió allí toda su vida, fotografiando la ciudad desde finales de la década de 1930 hasta justo antes de su muerte, el 27 de julio de 1992. Hubo algunas estancias en otros países, París en 1988 para fotografiar la Embajada australiana de Seidler pero principalmente le interesaba fotografiar la arquitectura, el paisaje, las playas y las ciudades de Australia.

Para muchos australianos, las fotografías de Dupain definen la cultura de la playa, y fue la playa la que inspiró sus imágenes más famosas y perdurables. The Sunbaker, en Newport y Bondi capturando ese momento decisivo.

Sin embargo, no fue solo la playa y Sydney lo que llamó su atención. A partir de mediados de los años treinta, Dupain adquirió la mayoría de los géneros: retratos, desnudos, bodegones y, en particular, arquitectura. Fue el último en el que sus representaciones dramáticamente iluminadas expresaron las cualidades abstractas, enfatizando las formas simples y el diseño de una estructura.

La filosofía de Dupain se puede resumir en dos palabras, simplicidad y franqueza. Con esto en mente, Dupain siguió siendo un partidario de la fotografía en blanco y negro. Sintió que el color era restrictivo en su objetividad y que no quedaba nada para la interpretación individual. Siguió fotografiando hasta unos meses antes de su muerte en julio de 1992.

Max legó a su gerente de estudio y fotógrafo de mucho tiempo, Jill White, su archivo de negativos para exposiciones. En 1992, Max falleció y en 1995 los 28,000 negativos de archivo de exposición se pasaron a Jill para su uso. Jill posteriormente vendió copias, produjo libros sobre sus obras y realizó exhibiciones. Si bien estos elementos negativos se han transferido a la Biblioteca Estatal de NSW para su catalogación y conservación, hemos escaneado la mayoría de sus aspectos emblemáticos y negativos para la producción continua de impresiones.

Más información, exposiciones, porfolios, libros, biografía, etc. en su website: Max Dupain.

Desnud Arte: La serie Drifting, Olivier Valsecchi

El cuerpo es la estructura, instrumento y concepto que se puede convertir en arte por asociación. Kenneth Clark dijo que los griegos habían inventado el desnudo como una forma de arte para crear un ideal a partir de la perfección de la figura humana. Mirar al cuerpo desde el desnudo es una invitación a los deseos sobre nosotros mismos, y, sobre todo, una contemplación a la posibilidad de eternizarnos.

El fotógrafo Olivier Valsecchi utiliza el cuerpo humano desde el desnudo para combinar dos de las prácticas artísticas que mejor delatan la belleza de la desnudez: la escultura y la fotografía.

La serie Drifting es un viaje a través de la historia del arte donde cada imagen fusiona la tradición del desnudo recostado con el género de pintura de naturaleza muerta de Flandes. Fielmente dedicado a su enfoque claroscuro de sentido de la composición ligera y sencilla, y esquemas de colores apagados, Valsecchi reemplaza los arreglos florales barrocos y el motivo superpuesto de Memento Mori por cuerpos pálidos, para crear lo que él llama una “Carne Vanitas”. Su gusto por atmósferas espeluznantes atrae al espectador hacia cuadros paradójicos donde el movimiento fluido y la quietud muda interactúan misteriosamente. La deriva es una invitación a meditar sobre un onirismo místico, una entrada inquietante y críptica entre la experiencia cercana a la muerte y el momento siguiente.

Nota: Haciendo clic sobre cualquiera de las fotografías puedes visualizarlas en sus tamaños originales, en modo “pase de diapositivas”.

Más información, exposiciones, porfolios, libros, biografía, etc. en su website: Olivier Valsecchi.

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