Tableau Vivant of the Delirium Constructions

Parte homenaje a la historia del arte, parte experimento radical, parte fiesta comunitaria, Tableau Vivant of The Delirium Constructions es una celebración de la humanidad presentada como una enciclopedia visual y sonora de la condición humana y su anhelo eterno por encontrar una conexión con nosotros mismos y los demás. Una experiencia teatral que contó con la participación de varias comunidades de todo el mundo, una celebración que se revela de la imagen y mediante la expresión quiere perpetuar el cambio social.

Concebido en 2009, el Tableau Vivant es la encarnación performativa de la serie fotográfica The Delirium Constructions de la Artista estadounidense Sarah Small, quien describe su obra como: “Tableau Vivant es una performance próxima al teatro inmersivo. Es música, cuando incorpora aria clásica, canción popular local, voces corales, e instrumentos de cuerda. Es danza, con coreografías yuxtaponiéndose orgánica y arrítmicamente. Es espectáculo visual, con sus ciento veinte personajes actuando ataviados con trajes de época, siguiendo los dictados de la moda contemporánea o desnudos. Finalmente, es experimento; juntos, creando momentos de verdadera, original, y altamente improbable, intimidad”.

El video incluido presenta un extracto de 25 minutos de la actuación que tuvo lugar en Nueva York en la primavera de 2011 en el edificio Williamsburg Savings Bank, ahora conocido como Skylight One Hanson. La performance reunió por vez primera a 120 participantes, estableciendo el precedente para todas las futuras producciones.

Definir a Sarah Small con una sola palabra es una ardua tarea, podríamos utilizar la palabra artista, pero nos quedaríamos cortos. Te presentamos aquí una obra espectacular, cargada de contenido que deja sin aliento. ¡Tómate tu tiempo y disfrútalo!

Fuente: cocteldemente.com Texto: Jota Pego.

Información relacionada:

El arte siempre ha utilizado el cuerpo desnudo.

Dimitris Papaioannou

Dimitris Papaioannou, (Atenas, 1964), es un artista visual y performer griego cuya obra transita en las fronteras del teatro, la danza y las artes visuales. Comenzó a tomar interés en la danza y las artes del espectáculo mientras estaba en la Escuela de Bellas Artes de Atenas, formándose y experimentando como intérprete y coreógrafo en compañías de danza en Grecia.

Fue alumno del icónico pintor griego Yannis Tsarouchis antes de estudiar en la Escuela de Bellas Artes de Atenas.

Fundador y director durante 17 años de la –ahora extinta– compañía Edafos Dance Theatre, ganó reconocimiento en todo el mundo como director creativo de las ceremonias de apertura y cierre de los Juegos Olímpicos de Atenas 2004 y de los Juegos Europeos de Baku 2015.

Originada en la escena underground, la compañía desafió las percepciones y ganó un número creciente de seguidores dedicados. Medea (1993) marcó la transición de la compañía a los grandes teatros y se considera su obra icónica. La compañía Edafos abarcó 17 años, hasta el año 2002, y estableció su sello indeleble en la escena artística en Grecia.

Papaioannou, que también es pintor, ilustrador y dibujante de cómics, ha creado y ha sido parte de más de 40 montajes, entre los cuales destacan Nowhere (2009), homenaje a la coreógrafa y bailarina alemana Pina Bausch; Inside (2011), que consiste en una instalación teatral de seis horas y Primal matter (2012), pieza con la que volvió a aparecer él mismo sobre el escenario después de una pausa de diez años.

Su trabajo destaca y explora la naturaleza del cuerpo humano (desnudo con frecuencia en escena) de manera provocadora utilizando la performance y las instalaciones como bases de sus obras.

Considerado uno de los grandes creadores griegos de los últimos tiempos, con una puesta en escena que sorprende y lleva a la reflexión profunda sobre la existencia del hombre, Dimitris Papaioannou ha conseguido el reconocimiento de crítica y público a lo largo de 30 años de trayectoria, hecho que se ve reflejado en su último montaje, Still Life (2016).

Más información, exposiciones, porfolios, libros, biografía, etc. en su website: Dimitris Papaioannou.

Información relacionada:

Animal – Daniel Abreu.
Robert Whitman – Mobius Strip.
Grâce à Dieu, ton corps / Pigeons International.
Desnudo/Denuded – Bruno Isakovic.

Dark Field Analysis

Montaje coreográfico en forma de dúo, Dark Field Analysis atestigua y se sumerge en la carne de los encuentros. Jugando sobre las transparencias de la naturaleza humana, la coreógrafa Jefta van Dinther ofrece una pieza sensorial, donde dos protagonistas desaprenden a conocerse.

¿Qué sucede cuando dos personas se encuentran por primera vez? La conversación puede ser banal, mundana, permanecer superficial. También puede sumergirse dentro de los cuerpos y las vidas, para alcanzar profundidades asombrosas. El montaje coreográfico de Jefta van Dinther, Dark Field Analysis, cuestiona el fenómeno.

En una escenario desnudo, donde la luz es textura, dos intérpretes (Juan Pablo Cámara y Roger Sala Reyner), interactuan. Están desnudos (excepto por un microdispositivo portátil) y se mueven lentamente. Hablan, se mueven, se observan, mutuamente e individualmente.

El título de la obra, Dark Field Analysis, se refiere a una técnica de observación, especialmente utilizada en medicina alternativa. “Microscopía de campo oscuro” implica observar un organismo sobre un fondo oscuro, en lugar de sobre un fondo claro. De este modo, resaltando la relación con la luz y las transparencias.

Invocando la música melancólica y desencantada de PJ Harvey (Horses In My Dreams y The Slow Drug), Dark Field Analysis despliega la trama de una reunión bajo un escrutinio minucioso. Así como hay poco misterio en la sangre, la carne de las relaciones humanas ya no es una terra incognita.

Pero al igual que la sangre observada en el “campo oscuro”, los encuentros humanos aún pueden dar lugar a una forma de fascinación asombrosa. El método de observación cumple la función de proveedor de la experiencia de deslocalización. Si los dos personajes se observan observándose unos a otros sabiendo que se están observando y observando entre sí, gradualmente se instala una parte de lo desconocido.

Y aunque los encuentros habituales tienen como objetivo dar a conocer lo desconocido, Jefta van Dinther infunde una experiencia opuesta. Con Dark Field Analysis, el encuentro entre dos seres similares se recrea progresivamente desde lo desconocido. Para una actuación singular, contraria a las expectativas.

Fuente: paris-art.com (Texto original en francés).

Información relacionada:

MozartNu (1986-2008) – La belleza humana y musical.
Robert Whitman – Mobius Strip.
Symmetry Study #14: (re)Presentation – 5 minute excerpt.
Grâce à Dieu, ton corps / Pigeons International.
Desnudo/Denuded – Bruno Isakovic.

Emma Dante: Bestias de escena, una mirada al mundo

Según comenta Emma Dante en su website: Bestias de escena, una mirada al mundo (Bestie di scena) llegó a su verdadero significado en el momento en que renuncié al tema que quería tratar originalmente. En un inicio, quería contar el trabajo del actor, su cansancio, su necesidad, su abandono total llegando a la pérdida de la vergüenza y, finalmente, me encontré delante de una pequeña comunidad de seres primitivos, desorientados, frágiles, un grupo de idiotas que como gesto extremo ofrecen sus ropas sudorosas al espectador, renunciando a todo lo demás.

Todo este proceso ha comenzado desde esa renuncia, creándose una extraña atmósfera que no nos ha abandonado y que ha hecho que el espectáculo se genere solo. En Bestias de escena hay una comunidad que huye, expulsada del paraíso al igual que Adán y Eva, llegando a un lugar del pecado, el mundo terrenal, lleno de trampas y tentaciones. Se engañan a sí mismos para vivir, encontrando en ese escenario todo lo que necesitan: el odio, el amor, el camino, el miedo, el mar, el naufragio, la zanja, la tumba donde llorar a los muertos, los restos de una catástrofe…

Nuestras bestias no hacen otra cosa que imaginar la escena. Se ríen viviendo, tomándose de las manos. Bailan, cantan, gritan, pelean en dialectos sureños, seducen, enloquecen, aman, ríen, luchan. Sin historias ni vestuario, las bestias de la escena se mueven desvergonzadamente como al principio de todo, nos obligan a dar peso, volumen y desorden a nuestros ojos… y es el espectador quien elige desde el principio si aceptarlas o rechazarlas.

Bestias de escena se representará en Madrid, en el Teatro Valle-Inclán del 13 al 17 de junio de 2018.

Vídeo relacionado:

Nota: Haciendo clic sobre cualquiera de las fotografías puedes visualizarlas en sus tamaños originales, en modo “pase de diapositivas”.